传统与创新

绘画最讲究“天趣”“妙趣”“神趣”，这一点，我觉得在秦汉人身上体现得最充分；秦汉人的最大特点就是敢于自作主张，独造自创，故能凌越千古。因此，不必过于泥古，所谓“法法非我法，无法法亦法”。说到底，秦汉人，人也；我崔如琢，人也；假如我有独到处，我想即使秦汉人看到，也会钦佩的。总之，要做到“师古而不泥古，有法而不囿法”。
中国文化讲究传承，作为一个艺术家，必须要了解过去，弄清历史，理清脉络。而了解过去的重要途径就是“收藏和鉴赏”。“收藏和鉴赏”是中国画家的基本功。如果一个画家珍藏有历代名画，“坐拥画城”，与古人交友，尽取其精华部分为己所用，真积力久，必可大成。其实，所谓“鉴赏和收藏”是一回事，历史上有不少画家，他们既精鉴赏、收藏，复擅绘画，如近代的黄宾虹、张大千、徐悲鸿等。
传统的核心是什么？传统的核心是发展！不发展就没有生命力。而这个发展的模式就是传承，传下去承下来。中国文化就是讲传承的。没有传就没有承，没有你就没有我。
传统就像人的遗传基因，营养可以加强，基因是不能改变的。比如，中国的繁体字是从象形字开始的，文字本身就是一幅画。偏旁部首都是有规律的，非常独特，多音多意多美感，那是中国文化的根。我们的文


化是靠文字传承的，假如有一天，连我们的后代都不认识繁体字了，根就断了。
中国的传统是丰富多彩的，文化精神是博大精深、神秘莫测的。我之所以在各地举办画展，旨在通过作品，证明不用西方的那一套，中国画也完全可以走出令西方人瞠目的创新之路。
作为当代画家，必须对“传统的创造性转化”问题作深入的思考。事实上，这种“转化”一方面是对世界文化思潮的一种回应，另一方面传统文化中的优异成分，也在此“转化”过程中得到进一步的落实，并永葆其文化上的认同及连续性，而这正是中国画“走向世界”的最可靠的保证。
我国传统绘画，在历时性的流播中，已然积淀为一种厚重的传统，只要“打进去”，必有可观者焉。但也难免会陷入规范化的模式之中。因此，我们首先必须坚韧地“打进去”，然后再自觉地“打出来”；也就是说，要结合自己的个性气质，从个人的观察和感受出发，根据具体的创作对象，从传统的笔墨中“打出来”，最终形成一种高度个人化的绘画语言。


大凡真正的艺术珍品，是不会被湮没的。历史上有多少名作，在当时并不为世所重，但其价值的光辉最终还是被后人所发现，而那些看似时髦的水货，即使走红一时，也必将被历史所淘汰！
搞艺术，贵就贵在大胆，不落前人窠臼，要师古而又不能泥古，下笔要“我行我法，毁誉由他！”
画家作为社会人，必须关注自然、关注人生、关注社会命运，这会逐渐成为一种趋势；与前辈画家比，我们的社会和时代已为今天的画家提供了历史上从所未有的、极其有利的生存、发展空间。所以，我希望当代的青年人能永葆厥美，“画吾自画”，“不求同群”，自创风格，创作出无愧于前人、无愧于时代的作品来！
可以这样说,西方绘画从印象派以后,写实艺术的发展开始断裂, 绘画开始没落。层出不穷、多如牛毛的这流那派,让人目眩神迷。但试问,能超过六百年历史的画派究竟有几个？一个都没有!而我们的中国画, 一直都是源远流长的，文脉绵远，沿浊更清，其中你中有我、我中有你, 生命力极其强大。中国画自魏晋时期即已成型,传承演变穿越一千六百多年,历久弥新,益发坚挺。


一个民族如果失去了文化认同与文化自信，其后果是相当可怕的。不认同民族文化焉能自信？不自信何谈创造？有鉴于此，我们必须正本清源,坚守传统。倘非如此，我们优秀的传统文化就会渐渐丧失,还谈何“让人民共享文化发展成果”？
在当今的艺术品拍卖市场上，李可染的一幅画动辄要卖到数千万元，这个数目不仅仅代表着钱，它更象征着一种认可，一种超越文化时空的认可。李可染的传统修养非常深厚。他不是从形式上而是从本质上进行中西结合。艺术必须创新，不然就没有生命力。而艺术又是讲究传承的。你的传统文化底蕴愈深厚、你的文化视野愈博大，你的艺术语言愈丰富、愈是能控纵裕如，你就愈有魅力，愈能获得那些有识之士的认可。这是一个不争的事实。
民国时期有人提出要用西方的艺术思想来改造中国画,美学思想基本上是中西合璧的。中西合璧实际上就是一种杂糅的思想,作为一种艺术形式来讲,也无可厚非。但是,从一个民族的文化意识来讲,不管民族的历史悠久与否,不管民族强大与否,都必须弘扬自己的主流文化、主流艺术。因为这是一个民族的自尊。即便是落后的国家,也要坚持其优秀传统,不能失去自我和自信。


作为一名华人艺术家，除了创作外，如何将中华艺术推向世界，无疑也是一种“安敢让也”的责任和追求。一个民族如果没有自己的文化和艺术，就会被人瞧不起。一个国家的经济发展，应当与文化艺术的发展同步而行。
越是民族的就越是世界的。此乃至理名言。尤其是当你游历了世界各国之后，便会觉得目前中国的很多洋式建筑，包括豪宅，往往只是学了人家的皮毛而未得精髓，难免效颦之讥。其实，中国传统的建筑艺术非常优秀，比如徽派建筑、江南园林，皆为世界上独一无二的瑰宝。东西方文化应当相互借鉴，共谋发展，各致其极。
东西方文化一定要拉开距离,越拉开距离,艺术就越有个性,民族性才越鲜明,这个世界才越可爱。文化越同质、越靠近,世界就越单调。从文学、戏剧、音乐、舞蹈到绘画,都是如此。要使民族文化特色愈发鲜明,要使绵延数千年的中华文化之光薪火相传,越传越旺,就需要有责任感、有担当的艺术家,不断地为中华民族的文化大厦添砖加瓦!
中国画的博大精深之处就在于，画以心为境。画者，心画也。精神境界的高低决定着笔墨意味的雅俗。一个画家胸中蕴含天地之大美，笔下自会有云蒸霞蔚的万千气象。由此可见，东西方绘画在文化精神上有


着本质性的差异，二者可以相互借鉴，但绝无可能“融合”。


我在北京曾遇到一个画家，二十世纪五六十年代很多人都觉得他的画很好。但现在他八十岁了，画却越来越差，这是为什么？为何如此优秀的画家到晚年作品会那么差，而不像黄宾虹那样“后出转精”？我想，这与我们美院沿袭的艺术改革体制有关系。这位画家用素描来画中国画，走的路子本身就有问题。中国画毕竟不是素描。好像有人评论某大师的画，认为最大的缺点就是画画有素描稿，所以他的画有些像版画，而齐白石就完全不同。


作为一个有出息的艺术家，必须对中西方文化的发展状况和基本脉络有一个全面的了解，对当下的文化处境有一个清醒的认识。唯有如此，才不会被趋之若鹫的潮流和时尚所左右。
中国画笔墨的第一要点就是“气”,再就是“韵”,讲究“气韵生动”。什么是气？就是气质、气度、气魄。看一张画如果笔墨很弱, 就不能算是好画。用笔要力透纸背。此外还要讲究构图、意境,比如说，画苏州园林、小桥流水、曲巷奇石,一看就很美,“韵”味十足。中国绘画的最高境界就是“天人合一”、师法造化、巧夺天工。国画艺术从来都讲究既博大精深而又清虚灵动、沉雄而平和、磅礴而含蓄。


国画是中国独有的文化,是经过千百年历史积淀的产物，是先贤们智慧的结晶,足以让我们引为自豪。
艺术家不能脱离生活、时代与政治,否则谈不上是真正的艺术家。但艺术如果只是单纯地为政治服务,就变得太窄了。作为当下的艺术家，不能使艺术成为关在象牙塔中的自娱之物，要充分发挥其为人民服务、为人类服务的功能。我为大会堂无偿创作,就是为人民、为政治服务。如果国内外的记者们、游客们对此进行摄制、传播,那“服务”的范围就大大地扩展了。
什么是艺术家？什么是其责任？不重复历史,不重复自己,不重复他人,不断地创作、创造、创新,这才是真正的艺术家,才是其应有的责任。
我很早就出国定居，在美国、欧洲的各大博物馆都参观过。可绕了一圈以后呢，我发现我的最爱还是祖国的写意绘画，根还在水墨之中。东西方绘画表现的东西是共同的：人物、风景、花鸟。但在这种表现形式背后却存在着巨大的文化差异。中国文化强调和谐，追求“天人合一”， 在艺术上强调“意境”，讲究“虚灵”，要求画家借助笔墨造境，谋求兴象之合。这一点，较之西方绘画那种基于科学传统的“具象”画法要高妙得多。


目前，我国的美术教育体系存在着许多弊端，耽误了相当一部分青年艺术家。当年，我十几岁就开始临摹“八大山人”“龚贤”等作品，受益无穷。“取法于古”的途径一旦确立，可能三五年就有所成就，否则三五十年都可能白走。
对于中国画家来讲，最重要的是要真正把握什么是中国的主体文化。不少画家称道：“你到美国那么多年，画的东西一看还是中国的，太纯了。” 实际上，与传统相比，我的画风还是有很大变化的，但主体没变，也不能变，如果连主体都变了，还能叫中国画吗？
艺术固以独创为贵，但为何又要取法于古？这貌似矛盾，其实并不难解。因所谓独创者，所指并非初学者；倘若学力不到，功侯不深，前贤之巨制宏规，视而不见，心昧六法之旨，手乖挥运之方，而妄图另起炉灶，并以独创自诩，岂非自欺欺人？故独创云云，实就为艺者之终极目标而言；取法于古，乃就初学者而言。一代书圣王羲之，天资卓荦，独超众类，犹且“于众碑学习焉”，而况常人乎？
我看到不少前辈画家汲古功深，笔墨非常到位，可就是不能独开生面、


自成一家，不禁为之叹惜。古人一味踵随前人，又何以自成一家？换句话说，古人可创之于前，我独不可创之于后乎？