“那些古琴曲，没什么旋律，也没什么节奏，没觉得哪里好听，是不是我没有听琴的耳朵？”初听古琴音乐的朋友常跟我说起这样的话。其实，并不是这些朋友没有欣赏古琴音乐的耳朵，而是古琴音乐确实有些特殊。

荷兰古琴家高罗佩在《琴道》一书中说 “要欣赏古琴音乐却并非易事，这主要是因为古琴音乐基本上不是旋律性的，它的美不在于音符的衔接启承，而恰是蕴含在每个独立的音符之中。”传统古琴音乐的旋律感较弱，常常是慢悠悠的，呈现清和淡雅的气息。这或许是古代音乐面貌的遗存。

在千百年的发展中，古琴音乐没有强化“旋律”这一元素，而是形成了注重“声韵”的特点。声，是指弹出的声响。韵，是指声后的余音。在有些曲目中，演奏者右手弹一声弦后，左手压在琴弦上滑来滑去，声音随之回环往复，直到乐音极微弱了，手还在弦上“嗤嗤”滑动。古琴音乐所注重的，正是这声后余音的变化。这样的做法，单个声音之美被充分展现的同时，旋律被大大弱化了。这与中国戏曲字疏腔繁，一个唱词啊……啊……很长时间，有一定的相似性。琴曲中，响亮的实音和缥缈的余音，虚实结合，又像极了中国传统的水墨画。

古琴音乐“声韵”的表达，不像旋律那么直接，也不像戏曲唱腔那么容易感受。当人们的耳朵习惯了那些旋律性较强的民乐后，听到古琴音乐难免会有些不适应。

常听古琴的朋友可能注意到了一个现象：不同演奏家弹奏的同一首曲目并不完全相同，甚至差别很大。这是怎么回事呢？其实，这正是古琴音乐的另一个特点。

首先，“琴者心也，琴者吟也，所以吟其心也”。古琴音乐与文人画同属于文人艺术，它们都注重“意境”的表现，注重呈现“有我之境”。 因此，同一首琴曲，不同的“成熟演奏者”可以有不同的理解和表现。有时，不同派别之间的演奏可能会迥然不同。即便是师徒之间，有时节奏节拍也有一定的伸缩灵活性。

再者，古琴专用的“减字谱”，是一种只记录动作的指法谱，虽暗含轻重缓急、抑扬顿挫，但不记录严格节奏。“减字谱”为演奏者留下了极大的二度创作空间，一首琴曲是在每一位演奏家的手中才真正完成作曲的。一个成熟的演奏者如果一味死板拘泥于琴谱，拘泥于师传，则会因“固执而失神化”，反而违反了“减字谱”的初衷。无论是琴乐的艺术思想还是琴谱，都允许古琴音乐进行个性化的表现，这与西方音乐强调要“忠实原作”有所不同。

当然，这绝不是说古琴可以任意弹奏，传承千年的古琴艺术是极为“尊重传统”的。古琴音乐至今还保留着古老的艺术面貌，也正是因为它 “尊重传统”。它有一套独特而严格的传统规范，初学者必须经过严格而长期的学习才能了解这些传统。古琴音乐中的“二度创作”跟格律诗创作很像，如同是带着镣铐跳舞，是规矩之中的自由。当今有成就的古琴家，无一不是严格以传统为基础，在有限的范围内自由发挥，演绎出琴曲的“有我之境”。

古琴音乐还有一个特点。它没有“小节”和“节拍”概念，音乐的行进通常没有强弱周期的规律，而是如同吟诵诗词一般，强弱随情绪变化，相对自由，这不同于西方音乐。

在古琴艺术的发展历程中，文人士大夫这个群体发挥了极大的作用，源自文学的理念对古琴音乐产生了深刻地影响。古人创作琴曲如同写文章，乐思围绕主题，起承转合顺序展开。有的琴曲拟物写景，如《流水》；有的琴曲借景抒怀，如《平沙落雁》；还有的直接抒情，由浅入深，如《忆故人》。文学作品中的修辞手法：赋比兴、对偶、排比等，在古琴音乐中都可找到相似手法。

关于传统古琴音乐的节奏，有一部分琴家和门派主张用 “似拍而非拍”的游离性节奏。他们常常以“呼吸”这一自然律动作为控制节奏速度的参考，称之为“心板”，持这样主张的以老一辈琴家为多。他们的演奏节奏游移，速度多变，听者很难做到抚掌击节。初次听到这样的音乐，很多听琴者可能会不适应。或许是受到了西方音乐的影响，当今多数古琴家的演奏节奏是稳定准确的。

古琴音乐，是在中国传统文化这片土壤中生长出来的，尤其儒家、道家文化对它影响至深。传统古琴音乐一般不表现张扬的人性激情，常常表现理性古雅和具有深刻哲学意义的题材。古人用古琴来抒发情感、寄托理想，琴乐有时超越了音乐意义，成为中国文化和理想人格的象征。

“鸟啼花落，皆与神通，人不能悟，付之飘风”，音乐是人类情感体验中最神秘的东西。欣赏传统古琴音乐，除了要品味其声韵的缠绵、意境的幽邃，或许还有很多滋味是难以言说的。“七条弦上五音寒，此艺知音自古难”，或许这也是它的一个特色吧。